アナ・ヴィドヴィチ 前橋公演


クロアチア出身の女性ギタリスト;アナ・ヴィドヴィチのリサイタルが30日(土)午後、前橋で開かれた。久々に素晴らしいギターを聴いた。


アナ・ヴィドヴィチ


アナ・ヴィドヴィチ。1980年クロアチア生まれ。幼少期から天才ぶりを示し、10代の頃から幾多の国際コンクールでも輝かしい経歴を持つ。そして『クロアチアの宝石』と称されるその美貌。そんな彼女が、北関東の田舎町まで来るという話を今年始めに聞いたときは半信半疑であったのだが、アナのHPにアクセスすると確かに2010.10 Japan Maebashiとあった。

10月30日土曜日午後、台風14号接近で風雨が強まる中、開場の14時半少し前に今回の会場である前橋市大胡町シャンテに到着。500席のホールは7割ほどの入りだろうか。
定刻の15時ちょうどにステージが明るくなり客電が落ちると、程なくしてアナが登場した。大きな拍手と共にあちこちで溜め息がもれる。175cmはあるだろうか、長い手脚の長身にモノトーンのドレスをまとったその姿、エキゾチックな黒い瞳、白い肌、溜め息が出るのも無理はない。そのままハリウッドのレッドカーペットを歩いても何の不思議もない美しさだ。聴衆の拍手に二、三度笑みで応えてから、ステージ中央に置かれた椅子に腰を下ろした。ごく小さな音でギターのチューニングを確認する。しばしの静寂ののち、最初の曲目;バッハの組曲第3番ホ長調BWV.1006の演奏が始まった。組曲第1曲プレリュード。いいテンポだ。そして何と滑らかなスケールの運びだろう。まったく無理がない。フレーズを大きく捉え、右手を完全にコントロールし、音楽が大きく呼吸している。そもそもこの曲をプログラムの冒頭に持ってくることからして、テクニカルな面でまったく危惧する様子は彼女自身にもないのだろう。最初の曲はかなりのプロでも、手慣らし、様子見の感をまぬがれない無難な曲で始めることが多いものだ。彼女の場合、そんなことはまったく無用だ。続く組曲第2曲ルールは、かなりゆっくりとしたテンポだ。装飾音の扱いに意を配し、決して凝った装飾を施すことなく適切な音価を加えているせいか、装飾音によって音楽の流れがギクシャクすることがない。続くガボット、メヌエット、ブーレ、いずれもテンポは中庸で、かつテクニックに余裕があるため、ゆっくりと音楽に身をゆだねることが出来る。終曲ジーグも彼女ならいくらでもテクニックに任せて速弾きも可能であろうが、決して性急の音楽を運ぶことをしない。十分ドライブ感はあるものの、終始落ち着いた曲の運びでバッハの組曲を締めくくった。続く武満徹「ギターのための12の歌」からの4曲、そしてアルハンブラの思い出、アストリアスと、アナのよくコントロールされた右手のタッチが、こうしたポピュラーな曲を俗に終わらせず、心憎いばかりのフレージングとアーティキュレーションで、時折りハッとする演奏効果を上げていた。

15分の休憩をはさみ、バリオスやラウロなど中南米の曲と、スペイン近代のトローバの曲で構成され後半へ。バリオス「神の愛のほどこし」での粒の揃ったトレモロとやや押さえ気味の表現、そしてラウロのベネズエラ風ワルツ、中でも第2番の流れるように滑らかなフレーズの運びが印象的だ。アナの愛器;オーストラリアのジム・レッドゲイト作のギターは実によく鳴り、彼女の素晴らしい右手のタッチと相まって、豊かな低音から、よく通る高音まで、そして会場に響き渡るフォルテシモから、消え入るようなピアニシモまで、まったく過不足ない。彼女であればもっともっとダイナミクスの大きな表現も可能であろうし、実際十二分に大きな起伏もあるのだが、余りのよくコントロールされた余裕のある音の運びを聴いていると、彼女の演奏にむしろ静的な印象すら感じるほどだ。プログラム最後の曲、バリオス「大聖堂」はYouTubeでも何度か見ている。プレリュードとアンダンテでは弱音を生かし、神秘的な曲想をよく表現していた。そして終曲は、滑らかな中に力と情熱を込め、最後の上昇アルペジオを弾き切って曲を閉じた。

圧倒的なテクニックと素晴らしい右手のタッチに支えられた終始余裕のある音楽の運びに、久々にクラシックギターの素晴らしさを堪能したコンサートであった。そして会場の万来の拍手に応えて、アンコールとして、ヴィラ・ロボスの前奏曲第1番と映画「ディアハンター」のテーマ「カバティーナ」が演奏され、16時45分に終演となった。
彼女はまだ30歳になったばかりだ。このあとどのように音楽が熟していくのか楽しみだ。次回機会があれば、ソルやジュリアーニなどの古典物を聴いてみたい。きょうのプログラムでは、やはりバッハがよかった。もう一段深い呼吸が欲しい気もするが、それは今後の彼女に十分期待出来るだろう。楽しみに待ちたい。


最後に、演奏会に行けなかった人たちのためにYouTubeでの「大聖堂」を貼っておこう。




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ホセ・ルイス・ゴンザレスの美音を聴く


ギター(ここでは電気仕掛けのないアコースティックギター、中でもいわゆるクラシックギターを前提にしよう)の魅力は何ですかと問われ、ギターを弾く人、聴く人、様々な答えがあるだろうが、回答の筆頭は『ギターの音色』ではないだろうか。もちろん楽器と呼ばれるものすべてに共通する答えだが、とりわけギターはその要素が強い。発音体である弦に直接触れて弦を弾いて音を出すメカニズムは、声の発生の次に『直接的』と言えるだろう。楽器のメカニズムよりは、右手の爪の形やタッチの具合、左手押弦の力の入れ具合といった弾き手のフィジカルな特性がそのまま音の性格を決める。昨日の記事にも書いた通り、名人ギターリストは、それぞれの独自で魅力ある音色を持っている。きょう取り上げるホセ・ルイス・ゴンザレスもその中の一人だ。


ホセ・ルイス・ゴンザレス


クラシックギターの今日を築いた巨匠の一人であるセゴビアがある人に問われ「美しい音の出し方だったら、ホセ・ルイス・ゴンザレスに聞け」と答えたという逸話が残っている。それほどまでに、ホセの音は美しい。いや、今日的な観点で言えば、もっと整った雑味の少ない音を出すギタリストはたくさんいるだろうが、このホセのように、いかにもギター、間違いなくギター、どこから聴いてもギターというような、強いアイデンティティを感じさせる音は少ない。手元のある80年代の録音に聴くホセは、スペインの名器;ホセ・ラミレス作のギターから艶やかで薫り立つような音を引き出している。ときに楽器の限界を超えるような強烈なタッチもあるし、一方で慈しむようなピアニシモもある。ダイナミクスが大きく、音色のバリエーションも多彩だ。
昨日のセゴビアもそうだが、一昔前のスペイン人ギタリストの共通した特徴として、テンポが揺れたり、拍感覚がずれたり、過度なビブラートがあったりもする。昔は「なぜ拍子通りに弾けないのか、弾かないのか」とまったく不思議だった。しかし、それこそがラテンの血が流れるスパニッシュギターの系譜なのだと最近になって合点している。彼らにとっての「歌」は、1・2・3.4と拍子を刻んでメロディーをのせることではないのだ。

写真の盤は、彼が1980年、13年ぶりに来日した際、東京・東久留米の「聖グレゴリオの家」で収録された盤で、当時50歳を前にした、まさに西国の伊達男といった風情の、油の乗り切った彼の美音が楽しめる。グラナドスのスペイン舞曲第5番、第10番、ゴヤの美女、そしてリョベート編のカタロニア民謡、いずれも意外にも速めのテンポですっきりとした印象で弾き進めるのだが、決めのフレーズで出す1音1音にグッと情感がこもる。残念ながらホセは1998年66歳で亡くなった。もう彼のようなギターの真髄である美しい音色を聴かせるギタリストは見当たらない。
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アンドレス・セゴビア 「魔笛」の主題による変奏曲


きのう28日は一日冷たい雨に見舞われた。昼前から都内出張。東京駅近くの本社ビルで3時過ぎまで会議だった。東京駅もこの十年で随分と変わった。かつてはちょっと食事をしようと思っても駅舎内には店も少なかったが、今では随分と飲食店も増え、田舎からたまに出てくるとその変化に驚くばかりだ。会議が終わったあとは、駅舎内のカフェで深煎りの珈琲で一服し帰途についた。

さて、ブログタイトルに「六弦…」と標榜しながら、なかなかギターの話が出てこない。いぶかる向きもあるかもしれず、今夜はクラシックギターの王道を聴くことにし、セゴビアに登場してもらおう。


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高校時代、クラシックギターを始めた頃、友人がセゴビアの弾くバッハ・シャコンヌが入ったレコードを持ってきた。しばし聴き入ったが、一向にいいとは思わない。酔っ払ったスペインのじいさんが、よたよた弾いている以上の感慨はなかった。当時のぼくは、ジョン・ウィリアムスの正確無比な弾きぶりや、ブリームの歌いまわしの上手さに傾倒していた。セゴビアをあらためて聴くようになったのは20年ほど前、DECCAに収録されたセゴビアのオリジナル録音がCD復刻されてからだ。加えてここ数年でLP盤も中古レコード店で見つけては買い求め、20枚ほどが手元にある。
今夜取り出したのは、フェルディナンド・ソルの「魔笛」バリエーションやヴィゼーの組曲が収録されている盤だ。こうして聴いてみると、かつての印象とは随分と違い、意外にもきっちり弾いているではないか。もちろんスタイルとして前世紀のロマンティックなスタイルの持ち合わせてはいるのだが、フレーズごとにテンポの変化はあるものの、全体を支配しているテンポ感は正確だ。テクニックの切れ味も十分。ファリャの『ドビュッシーの墓に捧げる賛歌』などは、最近のギタリストと比べても、やや速めのテンポですっきりとした印象を受ける。

それにしても、セゴビアトーンと称されるこの音色ばかりはワンアンドオンリーだ。かつてはセゴビア、イエペス、ブリームと、聴けばそれとすぐ分かる音色を持った演奏家が多かった。最近の新しい録音を聴いても、誰のものなのか、ぼくなど一向にわからない。演奏技術、録音技術、楽器製作の技術、そうしたものが変化とレベルアップを遂げた結果なのか、音色に特徴のあるギタリストは昨今本当に少なくなった。
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ブラームス ピアノ四重奏曲第1番


昨日27日朝は随分と冷え込んで、当地前橋の気温は10℃を割り込んだ。10月も末だから冷え込んでも不思議はないのだが、ついひと月前には猛暑日騒ぎをしていたせいで、こちらの感覚もおかしくなっているのだろうか、随分と寒く感じた。

夜、仕事を終えたあと、勤務先近くの中華料理屋で仲間内と軽く食事。下戸のぼくには、酒メイン・食べ物サブの店は居心地はあまりよくないのだが、中華の店なら大歓迎だ。庶民派中華をたらふく食べたあとは、いつものようにプリウスを駆って、地方国道を1時間の地味ぃ~なナイトクルーズ。帰宅後風呂に入って温まったあと、11時少し前にアンプの灯を入れた。秋の気配が深まると音楽も滋味と渋味と暖かさがほしくなる。そうなると音楽はやはりブラームス、それも一層渋く室内楽か…ブログ更新しながら小一時間、ブラームスのピアノ四重奏曲を聴くとしようか。ブラームスはピアノ四重奏曲を3曲作っている。今夜は一番有名な第1番を聴こう。

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きょう選んだ盤は、ピアノのエミール・ギレルスとアマデウスカルテットのメンバーが合わせている1970年録音の盤だ。久々に取り出した盤の見開きジャケットを開けると、少しかび臭いレコードジャケット独特のにおいが鼻をつく。盤に静かに針を落とす。一瞬プツッという音がして、針が盤の溝をキャッチする。軽いサーフェイスノイズに導かれるように第1楽章出だしのピアノ導入句が流れてくる。この主題からして、いかにもブラームスだ。少々センチメンタルな男の鬱々たる表情が浮かぶような出だしだ。ピアノに続いてチェロ・ビオラ・バイオリンと弦楽器が順番に絡んでいき、決然とした第1主題が提示される。そして続くチェロの第2主題がまたいい。ブラームスを聴く醍醐味ここに極まれりという感じだ。ギレリスとアマデウスSQのメンバーは、ブラームスに相応しい重量感と渋み、そしてときに熱っぽい響きを聴かせ、音楽の運びは申し分のない。弱音器をつけて始まる第2楽章は指定のアレグロ・マ・ノン・トロッポより、体感的にはいくらか速く感じる。フレーズごとにわずかながらテンポを揺らし、あまり歌い過ぎず、ときにスケルツォ風の不安感も漂わす。そして美しい主題と重層的な展開の対比が素晴らしい第3楽章。バイオリンのノーバート・ブレイニンの音色が、やや鼻の詰まったような古風な音色なのは録音のためなのか、こういう音色なのか定かでないが、落ち着いた渋さが身上のこの曲には相応しいか。第4楽章はジプシー風ロンドという呼称の通り、ハンガリー舞曲に通じるような急速調で始まる。中間部で何度か出てくるジプシー風の哀愁に満ちたモティーフが切々と響く。最後はチャルダーッシュを思わせる急速の展開で一気に頂点に上り詰めて曲が終わる。

この曲は4楽章形式で演奏に40分近くを要する。室内楽としてはかなりの大曲。また多様なモチーフとその展開、様々なリズムやテンポの変化など、曲想が実に多彩だ。そんなところから、この曲を管弦楽にアレンジしてみようと思うのは、腕利きの音楽家なら当然だろう。写真に映っているCDは、この曲のシェーンベルクによる管弦楽版が収められている盤だ。ユンゲ・ドイッチェ・フィルハーモニーを現代音楽の旗手でもあるハンス・ツェンダーが振っている。この編曲が実に興味深い。極めてブラームス風のところもあれば、ブラームスにしては少々華麗に響き過ぎると感じる部分もある。12音の無調音楽を極めたシェーンベルクであるが、若い頃や晩年には調性音楽も残している。この編曲でも心の底流にあった調性音楽への憧れを満たしていたのかもしれない。
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長谷川きよし 別れのサンバ


先日70年代のちょっと懐かしいレコードを聴いたが、その盤があったレコード棚の周辺を眺めていたら長谷川きよしのアルバムを見つけた。久々に『別れのサンバ』を聴くとしようか。この曲には、ギターを始めて間もない頃の、笑い話のような何とも情けない思い出がある。


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『別れのサンバ』がヒットしたのは、ぼくが中学3年から高校1年の頃だった。当時ぼくはまだ、コードをかき鳴らす以上のギターテクニックとは無縁だった。そんなときテレビで『別れのサンバ』を演奏する長谷川きよしを見て衝撃を受けた。こんなカッコいいギターがあったのか。それからせっせと彼の演奏をコピーした。といってもレコードは持っていなかったから、テレビやラジオから流れてくる曲をそのまま耳コピーするしかなかった。それでも練習の甲斐あって何とかそれらしく弾き、ギターに合せて下手な歌をうたうことが出来るようになった。高校に入りしばらくした頃、ギター・マンドリン部の部室を訪ねると一人の先輩がいた。「何か弾いてみて」と言われたので『別れのサンバ』を弾いた。8小節のイントロをそれらしく弾き、続いてギターに合せて歌もうたった。すると先輩が「歌はいいよ(笑)スケール弾いて」ぼく「はあ?スケール…」先輩「スケール、音階、ドレミ」、ぼく「はあ…」 楽器の基本である音階・スケールも知らずにいた田舎の高校生のクラシックギターとの出会いは中々笑えるエピソードで始まり、それからの高校時代は日々スケール練習に明け暮れた。そして当然ながら以来ギター伴奏で歌うことは止めた。





YouTubeに昔と変わらない、いや昔以上にグルーヴしていてカッコいい彼のギターと歌があったので貼っておこう(仙道さおりのカホンもカッコいいぜ!)。彼は70年代初頭にいくつかのヒットを出したあと、メジャーな場面から姿を消した。その後彼は当地群馬県高崎市近郊の新町(しんまち)という小さな町に居を構え、全国の根強いファンに支えられて活躍を続けている。HPによれば今まさにヨーロッパツアーの真っ最中だ。レコードで彼の歌声は聴いた今夜は、ギターで『別れのサンバ』を爪弾こうか。キーはCmだ。ついでに歌もうたってしまおうか。
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寺井尚子のジャズ・バイオリン 『ジャズ・ワルツ』

休み明けの月曜。午前中は定例の会議で2時間以上たっぷり。更にきょうは午後も打合せが3本あって、夕方には何だかヘロヘロになってしまった。十年前ならこんなことは無かったのに…と家人に言う度に、昔からハアハアため息ついていたと言われてしまう。…ハア~と、ここで終わるわけにはいくまい。本日も更新だ。
今夜は飛び切り綺麗なおネエさんに癒してもらおう。


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こういう音盤を買うのはケッコウ気恥ずかしい。いかにも『ジャケ買い』ではないか。渋いブラームスの室内楽のCDと一緒にレジに出すときなどは殆んど赤面ものだ。高校生が参考書の下にピンク色の本を忍ばせてレジに持っていくような気分か(そんな高校生はもはやいないな)。まあ、ともかく今夜は寺井尚子のジャズバイオリンを楽しもう。彼女の8作目になるというこのアルバムには、クラシックやジャズスタンダードに加え、彼女や彼女の仲間達のオリジナル曲がいくつか入っている。オリジナルといっても、どこから聴いても聴きなれたポップススタンダードではないかと思うほど、ナチュラルで気負いのない作品ばかりだ。

最初の曲、ショスタコービッチのジャズ組曲第2番のワルツ第2番は、日本人にはどこか郷愁を感じさせるナンバーだ。サーカスのジンタをイメージする人が多いだろう。ショスタコービッチはかつてのソビエトでガチガチで深刻な体制音楽を作ったが、一方でこうした軽みのある曲や映画音楽も多数残した。原曲の主題を奏したあとのアドリブソロは、このワルツのもつノスタルジックな曲想を更に甘く切なく味付けしていて、中々泣かせる。ダニー・ボーイや魅惑のワルツなどのスローナンバーでは曲を崩しすぎず、センスのよいフレーズが続く。9曲目のヒット・アンド・アウェイは、彼女のバンドメンバーの細野義彦(G)の作品。ドライブ感が最高で、寺井のバイオリンと細野のギターの掛け合いもスリリングだ。

ジャズ・バイオリンという、決してポピュラーではないジャンルに多くの音楽ファンの目と耳を向けさせたのも彼女の功績だろう。実はこのアルバム、CDプレイヤーにセットして聴くまで多くは期待していなかったのだが、見事に裏切られた。予想以上によかったのだ。今度CDショップに行き、激渋のベートーベンの後期弦楽四重奏のCDを買う予定のときには、また彼女のアルバムをその下に忍ばせてレジに持っていくことにしよう。
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豊島たづみ『行き暮れて』 丸山圭子『どうぞこのまま』

最近はもうほとんどテレビは観ない。ゴールデンタイムにチャンネルを回しても(あっ、押してもか…)、どこもかしこも井戸端会議のバラエティ。民放ばかりかNHKも区別がつかなくなった。一応、地デジ対応は済ませたものの、最初に無くなってもいい家電の筆頭はテレビだ。一方深夜放送・エアチェック世代のせいかラジオへの思い入れは強く、無くなっては困る家電の筆頭はラジオということになる。しかし、そんな分別臭いことをいうぼくも、かつてはそれなりにテレビを見ていた。特に社会人になってから何年かはテレビドラマの恋愛ゲームを観ては、そんなものには無縁な自分と照らし合わせて悶々としていたのだろう。遥か記憶の彼方だけれど。


豊島たづみ 丸山圭子   御茶ノ水 神田川 聖橋 丸の内線 JR中央線


1979年、TBS系列で「オレンジ色の愛たち」というドラマがあった。宇津井健、秋吉久美子らが出ていた都会派のドラマだった。その後出てくるトレンディードラマの走りだったかもしれない。ドラマの中身はまったく記憶にないのだが、豊島たづみが歌うテーマ音楽『行き暮れて』とオープニングに写る、丸の内線が神田川の上を渡る御茶ノ水聖橋の光景だけはよく覚えている(この構図は本当に美しい)。テーマ曲の『行き暮れては』はその後ずっと気になっていて、数年前にリサイクルショップのジャンクレコード箱から豊島たづみのアルバムを拾い出し、30年ぶりの再会を果たした。久々に針を落としてみたが、今聴いても新鮮だ。スローテンポの16ビート、時折りセンスのいいテンションコードも入った都会的なアレンジにのって、豊島たづみが肩の力を抜いて少し気だるく歌っている。アレンジのセンスがいいのでクレジットを見ると、大村雅朗と記されていた。八神純子の『みずいろの恋』や松田聖子の『Sweet Memories』、渡辺美里の『My Revolution』など数々のヒット曲の作編曲を手がけている。1997年に46歳の若さで逝去したとWikipediaにあった。

その少し前になるが、同じテイストの都会的なボサノバ調の曲、丸山圭子の『どうぞこのまま』がヒットした。学生時代の終わり頃よく聴いたことを思い出す。この頃はまだ都会と田舎の差は大きく、当時地方都市で学生生活を送っていたぼくは、イメージとしての都会やそこでの恋愛を想像しながら、こんな曲を聴いていたのかもしれない結局都会での生活も恋愛も経験することなく月日が過ぎた。豊島たづみ丸山圭子も私と同い年。二人とも最近もそれぞれのペースで活躍しているようだ。あれから30余年。なんだか、やるせない気分だなあ…
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プロフィール

マエストロ・与太

Author:マエストロ・与太
ピークを過ぎた中年サラリーマン。真空管アンプで聴く針音混じりの古いアナログ盤、丁寧に淹れた深煎り珈琲、そして自然の恵みの木を材料に、匠の手で作られたギターの暖かい音。以上『お疲れ様三点セット』で仕事の疲れを癒す今日この頃です。

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