グールド バッハ フーガの技法


関東に向かって北上中だった台風が西に進路を変え、直撃予報は一旦終息。しかし週末にかけて接近中には違いなく、きょうも一日南東からの湿った空気が流入し、時折雨が吹きつける湿度の高い一日だった。昨日に続き、きょうも朝から頭痛に見舞われ不快な一日。いつもの頭痛薬でその場をしのぎ、帰宅後ぬるめの風呂につかって、ようやくひと息ついた。外は雨。エアコンを除湿モードで少し運転したあとオフにして、部屋が静かになったところで、例のグールドのボックスセットを取り出した。福引よろしく、今夜80枚の中から引き当てたのはバッハ;フーガの技法。グールドが地元トロントの教会にあるオルガンを弾いている盤だ。ここでは未完に終わったフーガを含むバッハ最晩年のこの作品のうち、第1曲から第9曲までの取り上げている。


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最初にこの曲を聴いたのは30年ほど前。社会人になって毎月給料日にレコード屋へ走るのが楽しみだった頃、パイヤール室内管弦楽団の演奏する2枚組のLP盤を買い求めた。当時の最新録音で、フーガの醍醐味である各パートの織り成す音のアヤ、そして低音パートが静かに入ってくる際のオーディオ的な快感、そんなこと感じながらよく聴いた。もともとフーガの技法は楽器指定のないオープンスコアで書かれていて、鍵盤楽器以外の様々形態でも演奏される。フーガの技法と名付けられている通り、音の建築のようなフーガという形式に関する様々な試みがなされた結果、ここで聴くことの出来る音楽の深さと宇宙的ともいえる広がりは、この曲以外では得られないだろう。さすがに、この曲を聴いているとグールドも何もないといった感慨を持つ。フーガとしての傑作に留まらず、クラシック音楽の傑作の一つと言われるのもうなづける。

グールドのドキュメンタリーフィルムで、コントラプンクト第1番を弾いているところがあったので貼っておこう。エキセントリックなアクションに目が行くが、音楽そのものは、まったくもって理にかない、自然な流れだ。




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ベーム&ウィーンフィル 1975年来日ライヴ


何度か告白しているが、このところじっくり音楽を聴くことが少なくなった。三千枚余の手持ちの盤を隅々まで聴いたわけでもなく、もちろん飽きたわけでもないのだが、棚に目をやり、さて何を聴こうかと思いながら時間だけ過ぎて結局何も聴かずに終わることも多い。何か盤を取り出しジャケットを眺めていると、この曲はあの主題で始まって展開し、あそこでティンパニの決め所があって…といった具合に思いが巡り、何度も聴いたよなと、そこで終わりとなってしまう。これも加齢のためかと半ばあきらめているのだが、ときに気を取り直して聴き始めると、やはりしみじみいい曲だと感じ入って、たっぷり1時間、2時間と聴くことももちろんある。きょうは昼間から頭痛に見舞われたこともあって7時前に帰宅した。夕飯を済ませたあとボーッと音盤の棚を眺め、実に久々にこんな盤を取り出した。


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カール・ベーム&ウィーンフィル1975年来日時のライブ盤LPだ。NHKホールでの一連の公演から以下の曲が収めされている。

Side1/2
ベートーヴェン レオノーレ序曲第3番/交響曲第7番
Side3/4
シューベルト 交響曲第8番<未完成>
モーツァルト 交響曲第41番<ジュピター>
Side5/6
シューベルト 交響曲第9番<ザ・グレート>
Side7/8
ブラームス 交響曲第1番
ワグナー ニュルンベルクのマイスタージンガー第1幕前奏曲

1975年3月大学1年の春休み。まだステレオセットも持たず、貧弱なラジカセ(当然モノラル)にかじりついて『生中継』を聴いていたことを思い出す。当時ベームとウィーンフィルは人気の絶頂にあった。この公演も大きな話題になり、FMで中継されテレビでも映像が流れた。日頃FMでN響の演奏に親しんでいた耳にこのときの演奏は、これが同じホールで演奏しているオーケストラかと思うほど、いつもの音と違っていた。それは貧弱なラジカセで聴いていてもわかるほどで、解説者の大木正興氏(懐かしい!)が番組中で語っていた通りの、明るく艶やかなウィーンフィルの音だった。
この盤は当時の放送録音と同じ音源と思われるが、今こうして聴くと全く作為がなく、かなり乾いた音がする。艶かなオーケストラサウンドというと夢見心地のような音をイメージするかもしれないが、この録音がそうでない。比較的オンマイクで録られた生々しいウィーンフィルの音がリアルによみがえる。
演奏はどの曲もベームのスタジオ録音では聴けない緊張感と熱気にあふれている。ベームが、というよりはウィーンフィルの面々が80歳になろうとしているこの好々爺のために、日本での公演に一発勝負をかけたような気迫を感じる。このときの公演ではコンマスの席にはゲルハルト・ヘッツェル(1992年山歩き中に転落事故で急逝。享年52歳)が座り、隣りのライナー・キュッヘル共々、決して動きの多くないベームの指揮棒を見逃すまい、そして応えようと身を乗り出して弾いていた姿を思い出す。

ブラームスの第1番は中でも熱演だ。冒頭のティンパニと低弦群によるC持続音の序奏からテヌートが目一杯効いたフレージングで、音楽にすき間がない。主部はやや遅めのテンポながら音楽は弛緩するところなく、曲の盛り上がりでは独自の音色を持つウィンナホルンが音を割るほどに強奏する。第2楽章のウン・ポコ・ソステヌートも充実した弦楽器群の歌と木管群の渋いソロが美しい。終楽章はそれまでの充実したオケの鳴りが更にランクアップしたかのような響きで圧倒される。特にコードは一段とヒートアップし大団円となる。
マイスタージンガーや未完成も、このコンビのよき時代の最後を飾るとも言える充実した演奏だ。1975年のこの公演のあとベーム&ウィーンフィルは、1977年・1980年と来日を重ねた。しかしぼくがテレビの中継で見ていた記憶では、いずれもこの75年来日時の演奏に比べ、曲の運びに締まったところがなく、アンサンブルや音程も怪しいところがあったりと、いいところがなかった。久々に取り出したこのLP。何百回と聴いたブラームスの1番。ベーム&ウィーンフィルの充実した演奏に感銘を受け、しみじみと聴き入った次第だ。


1975年のこの公演の成功受け、77年に再来日した際の様子がYouTubeにあったので貼っておこう。まだかくしゃくとし、時折大きく腰を落とすベーム独特のアクションも見られる。



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名器;トーレスを聴く ぺぺ・ロメロ ギターとピアノの為のソナタ集


きのう金曜の晩、記事を書きかけながらうとうとしてしまった。本日まとめて二日分更新。
きょうも続けて、名器;トーレスで演奏されたLP盤は聴くことにした。今夜は、今や大御所の風格となったぺぺ・ロメロがフォルテ・ピアノを弾くウィルヘルム・ゲルヴェックと組んで、19世紀の古典ギター黄金期の室内楽作品を弾いている。ぺぺが使っているギターは、アントニオ・デ・トーレス1856年作とライナーノーツに記されている。

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収録曲は以下の通り。
フェルディナンド・カルリ
 ソナタ イ長調 Op.21 no.1
   1. Moderato 2. Adagio 3. Rondo
アントン・ディアベリ
 グランド・ソナタ・ブリリアンテ ニ短調 Op.102
   1. Adagio-Allegro 2. Adagio 3. Allegro
 ソナチネ イ長調 Op.68
   1. Andante sostenuto 2. Rondo
フェルディナンド・カルリ
 ソナタ ニ長調 Op.,21 no.2
   1. Moderato 2. Thema con variazioni 3. Allegretto

カルリの作品の一部は独奏版で昔から親しんでいる曲だ。この盤で聴くトーレスは、昨日聴いたアリス・アーツ盤の1858年製La Leonaより現代的に聴こる。録音の影響もあるのだろう、非常に艶やかに響く。フォルテ・ピアノの音はもちろん現代のピアノとは大きく異なり、こうして古典から初期ロマン派の端整な様式感をもったソナタでは、明らかに曲想にマッチしている。音量としても多分ギターと釣り合い、サロンでアンサンブルを楽しんでも違和感なく楽しめただろう。
カルリの曲もこうしてアンサンブル版になると、その楽天的な曲想にいくらか重みが加わり、鑑賞に値する曲になる。ディアベリの2曲は、カルリに比べより感興に富んでいて、ピアノパートもカルリの曲より充実している。古典期の合わせ物は聴くよりも弾いて楽しみたい。この盤もいずれの曲も機会があれば合わせてみたい曲だ。


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名器;トーレスを聴く アリス・アーツ F・タレガ名曲集


今週に入って暑さ復活の予報だったが、相変わらず猛暑には遠く、雨模様の梅雨時のような天気が続く。夏休み明けの一週間も慌しく終了。週末の晩、久々のギターのLP盤が並んでいる棚を物色。見つけたのがこの盤だ。アリス・アーツ(1943~)がフランシスコ・タレガの曲を名器;アントニオ・デ・トーレスのギターで弾いている。


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近代ギターの原型を作ったとされるスペインの名工;アントニオ・デ・トーレスは、最近になってますます神格化され、現存する彼の作品は高級外車1台分以上の高値と聞く。まあ、それでもヴァイオリン族のレベル比べればかわいいものだろう。中々現物にお目にかかることもないし、あっても手に触れる幸運に恵まれる可能性はそう高くない。たまたまぼくは数年前、あるところで著名なコレクションの中の1台を試奏する機会があった。枯れて反応のいい高音と、ずっしりとお腹に響く低音が印象的な素晴らしい楽器だった。この盤では、アメリカのギタリスト;アリス・アーツが1858年作のLa Leonaと称されるトーレスのギターを使っている。
1979年録音のこのメリディアン盤はすこぶる音がいい。エコー処理は極めて控えめで、オンマイクでとらえられたトーレスの音がほとんど細工されずに生々しくスピーカーから飛び出してくる。最近でこそ使用楽器に焦点を当てた企画物アルバムも見かけるが、この年代にはまだ珍しかった。
ムーア風舞曲、アラビア風奇想曲を始め、タレガのお馴染みの曲が並んでいるのだが、こうして当時タレガが弾いたであろうトーレスから出る音楽をあらためて聴くと、今風の楽器から出る音に比べ、古風かつ19世紀的ロマンティシズムにあふれ、しかも控え目に響いて、すべてが好ましく聴こえてくる。タレガの曲は、とかく『ギター的』に弾かれて手垢にまみれている感があるが、この盤で聴くタレガはもちろんギター的ではあるのだが、録音当時30代半ばのアリス・アーツの見識もあって、いずれも品格高く、タレガが本来イメージしたのはこういう曲想だったのかと合点する。


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ギター編 バッハ;シャコンヌの名演


旧友Y氏から、YouTubeで素晴らしい演奏を見つけたとメールが届いた。アイランドのギタリスト;ジョン・フィーリーの弾くバッハ;シャコンヌの演奏だ。シャコンヌは言わずと知れたヴァイオリンの名曲。もちろん無伴奏ヴァイオリンパルティータ第2番として組曲全部を演奏されることが多いが、終曲のシャコンヌだけが単独で取り上げられることも少なくない。原曲のヴァイオリン版のほか、ピアノや管弦楽など、様々な形式で編曲されている。取り分けクラシックギターにおいてはアンドレス・セゴヴィアがこの曲を取り上げ、近代クラシックギターの存在価値を広く知らしめ、高めたとされ、プロ・アマ問わず、この曲はギター弾きにとっては大きな存在となっている。


<手持ちのバッハ;無伴奏VnのCD>             <セゴヴィア編シャコンヌの楽譜>
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このYouTubeの演奏者;ジョン・フィーリーの名は初めて聞いた。画面で見る限り相応の中年の様子だ。この演奏を聴いて何を感じるだろうか。ぼくがいたく感心し、これをギター版シャコンヌの名演と納得したのは以下の理由からだ。旧友Y氏も同様の感想だったようだ。

 (1) 微動だにしない拍節感
 (2) 明確な付点の音価
 (3) 整った古典的様式感と適切なアーティキュレーション
 (4) 曖昧なスラーやポルタメントの排除
 (5) 安易なギター的ポジショニングの排除
 (6) ギター本来の美しい音色

(1)から(3)は、バッハ以降ウィーン古典派に至るまで、西洋クラシックの演奏にはまず最初に必要なことであるが、ギター弾きはプロ・アマ問わずここに意識が向いていない演奏が多い。(4)(5)は、とかくギター的な効果や音色を求めるあまり、スケールであろうと和音のつながりであろうと、ギター的に、つまりギターで弾きやすいように変形し、本来の音形が持つ意味を台無しにてしまっているケースが多い。このフィーリーの弾くバッハは、いわゆるギター的な効果やメリットを極力排除し、本来の音形の持つ意味と効果に注力しているように思う。しかしそれならギターでなくてもいいではないかと言われそうだが、そこはギターの持つ美しい音色を素直に出し切っているから素晴らしい。
YouTubeには彼が弾く同じくバッハのチェロ組曲や、初期ロマン派のメルツの二重奏などの演奏もアップされている。いずれも聴き応え十分だ。終止落ち着いた弾きぶりながら、途中速いスケールをノン・スラーで弾き切るとき、口元に緊張が走るのが見て取れる。もう少しゆったりとしたゆるめの、ロマン派的解釈に寄ったシャコンヌを良しとする向きもあるだろうし、ぼくもそれを否定はしない。がしかし、今どき襟は正したくなるような、こうした演奏は貴重だろう。





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夏休み終了! 音盤ちょこ買い


当地北関東は一昨日から雨模様。気温も一気に10℃以上下がって、今朝は肌寒ささえ覚えるほど。このまま秋というわけではないだろうが、ホッとする天気だ。さて、きょう日曜日で夏休みも終わり、明日から社会復帰。30年も勤め人をやっていて今更ナンだが、長期休み後の出勤は心身ともシンドイ。何とか気分切り替えて行きましょうカネ。
で、気分転換に一昨日久々に音盤買い出しに出かけた。最近はどんな買い物もお手軽ネットショッピングになりがちだが、店をぶらつきながら「これでも買ってみるか」的にCDを買い求めるのは、やはり楽しい。今回釣果は少なめで以下の2点。まだほとんど聴いていないが紹介しておこう。

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まずこちらは、クラシックギター界の今や重鎮ジュリアン・ブリームの自選集ボックスセット。10枚組で2,500円ほどだった。ジュリアン・ブリームといえば、ぼくら世代のクラシックギター弾きには、セゴヴィア・イエペス・ブリームといった弾き手が御三家。ジョン・ウィリアムスは若手の筆頭という時代だ。昨今はギターの世界だけでなく、どんな楽器でも個性的な音色や解釈は次第に希薄になってきた。国際コンクール標準でトレーニングを目指すために均質になりがちと何かに書いてあった。60年代から70年代は、どの分野も個性あふれる弾き手が多かった。ギターの御三家も例外ではなく、貧弱なレコードプレイヤーで聴いても、それぞれの音色や歌いまわしは、高校生のガキだったぼくにも明白だった。ブリームは当時から、艶のある音色と興にのった歌い回しで、好きな演奏家だった。この自選集はブリームの数多いアルバムの中からチョイスされ、なおかつ発売当時のジャケット写真をそのまま使っている。久々に聴いてみると何とも懐かしい音だ。最近の、よりシャープな演奏や音色に慣れた耳にはかなり回顧的に聴こえなくもないが、これはこれで一時代を画した演奏だ。ルネサンス・バロックから古典、近現代までたっぷり10枚楽しめる、いいセットだ。

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次は以前にも紹介した平賀マリカの新譜。この日、ブリームのボックスセット以外にはこれといって触手を伸ばすものもなく、そのままレジに行こうと思い、ジャズコーナーの横を通り過ぎようとしたときに、このアルバムに捕まってしまった。シックな装いでソファに身体をあずけ、誰かの話を聴いているのか、赤いルージュの口元に浮かべた笑み…このまま視線をこちらに投げられたらどうしようかと思いながら、あわててブリーム盤と一緒にレジに持っていった。実はこのアルバム、まだ聴いていない。いずれ、とっておきの夜に…ということで。 はい、ジャケ買いの一枚でありました。


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シリーズ60年代LP カイルベルト&バンベルク交響楽団 『プラハのモーツァルト』


この盤のことは、以前出張の際の車中で繰り返し読んだこの本で知った。カラヤンと同い年だったヨーゼフ・カイルベルトが手兵のバンベルク交響楽団を振ってモーツァルトと深い縁のあった街;プラーグ(プラハ)にちなんだ曲を演奏している。バンベルク交響楽団もまたプラハに縁のある楽団だ
曲はモーツァルト作曲の比較的小規模な管弦楽曲であるが、50年代後半にこうした明確なコンセプトアルバムが企画されたこと自体、珍しいことではないかと思う。序曲;劇場支配人、ディヴェルティメントK.113、セレナータ・ノットゥルノ K.286、6つのドイツ舞曲K.509、2つのメヌエット K.463、アイネ・クライネ・ナハトムジーク K.525といった曲が収められている。


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この盤はキング・レコードのよる60年代初頭の国内盤。確か大阪梅田の中古レコード店で500円程で買い求めた。ネットで調べるとオリジナル盤にはちょっとした値が付いている。録音はステレオ初期の50年代半ばらしい。ぼくらより上の世代にはジャケットのTELEFUNKENの文字が神々しく見えるだろうか。演奏者のカイルベルト&バンベルク響のイメージを合わせて、優秀で信頼がおける質実剛健の独逸というイメージだ。
演奏はどれも素晴らしくいい。楷書の味わい。どこから見ても乱れや余計なものがない。ポピュラーなアイネ・クライネ・ナハトムジーク K.525を久々に背筋が伸びる思いで聴いた。同じコンビのブラームスの交響曲集が手元にあるが、アンサンブル・録音ともあまりいいイメージがない。しかしこの『プラハのモーツァルト』は別物のように聴き応えがある。カイルベルトの解釈も堅実でありながら小品の味わいを十分に楽しませてくれるし、バンベルク響の音も派手さとは無縁だが、弦楽器群と管楽器群が一体となって充実したアンサンブルを聴かせてくれる。
あらためて、これはいい盤だ。現在CDで手に入るのかどうか。


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プロフィール

マエストロ・与太

Author:マエストロ・与太
ピークを過ぎた中年サラリーマン。真空管アンプで聴く針音混じりの古いアナログ盤、丁寧に淹れた深煎り珈琲、そして自然の恵みの木を材料に、匠の手で作られたギターの暖かい音。以上『お疲れ様三点セット』で仕事の疲れを癒す今日この頃です。

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