マイナルディ(Vc)のベートーヴェン



先週末の土日は丸々二日間野暮用対応に追われ、心身共に疲労困ぱい。いつになく疲れが残り、週明けのきょうも冴えないスタートとなった。定時を少し回って仕事を切り上げ帰途に。夜半前のひととき、疲労感の残る身体に沁みる音楽でもと思い、こんな盤を取り出した。


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ベートーヴェンのチェロソナタ第2番ト短調作品5の2。エンリコ・マイナルディ(1897-1976)のチェロ、カルロ・ゼッキ(1903-1984)のピアノによる演奏。1955年10月ハノーファ:ベートーヴェンザールでの録音。手持ちの盤は2007年にタワーレコードのヴェインテージ・シリーズとしてリリースされたもの。マイナルディとゼッキの名を知る世代は、おそらくぼくより一世代上の愛好家だろう。1958年にはこの二人のコンビで来日している。60年代に聴かれたベートーヴェンのチェロソナタとしては、カサド、フルニエ、ヤニグロあたりで、マイナルディの録音はその一部しかリリースされていなかったという。全曲のリリースとしてはこの盤が初めてらしい。ピアノを弾いているカルロ・ゼッキは、むしろ指揮者として名高く、日本のオケにも度々客演した。ぼくも群馬交響楽団を指揮したコンサートで晩年のゼッキの実演に接している。

第2番はベートーヴェンの5曲あるチェロソナタの中で唯一の短調曲。冒頭から6分近く続く瞑想的かつ叙情的な序奏で始まる。この序奏は独立した緩徐楽章と言えるほど充実していて、続くアレグロ・モルトの主部と、第2楽章のロンドとで、三楽章から成るといってもいい程だ。その序奏ではマイナルディのやや古風な音色のチェロが悲痛な歌を奏で、その歌に寄り添うようにゼッキの達者なピアノが冴える。以降の楽章もマイナルディとゼッキのコンビは堂々したテンポ設定でかまえが大きく、ときに繰り出す深いアクセントが曲の重量感を強調する。

モノラル録音であることも手伝ってか、総じてオールドファッションといっていい演奏だ。遅めのテンポ、フレーズの終わりには頻繁にやや目立つリタルランドが入る。時として音程の不安定さも耳につき、テクニカルな面からいえば、ヤニグロはおろかフルニエにも及ばないという印象。しかし一方で、何とも懐かしいチェロの音色、ダイナミクスを無理に拡大せず、常に自然体で曲を進めるアプローチなど、現代の演奏からは聴くことが難しい美点も多いよい演奏だ。

デボラ・ペという若い奏者による第1楽章。



アントニオ・メネセスとピリスによる演奏。



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クレンペラーの<イタリア>



梅雨空の週末土曜日。朝から野暮用で夕方まで出ずっぱりの一日。疲れもあって、夕飯のあとソファで爆睡。気付けば時刻は夜半過ぎ。仕込から十日、出来たばかりの梅ジュースで目を覚まし、三日ぶりの更新。深夜のオメザの一枚にと、こんな盤を取り出した。


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先日聴いたセルのメンデルスゾーンを受け、今宵もメンデルスゾーンを。オットー・クレンペラー指揮フィルハーモニア管弦楽団による交響曲第4番イ長調<イタリア>。1960年録音。手持ちの盤は1995年<スコットランド>とのカップリングでリリースされた盤。当時東芝EMIが進めていたHS2088マスタリングによるもの。このHS2088マスタリングはあまり評判がよくなく、その後ほどなく本国仕様ともいうべきART(Abbey_Road_Technology)マスタリングに取って代わられた。

第1楽章冒頭から落ち着いた開始。といっても鈍重なテンポというわけでもなく、多くのこの曲の録音の中にあっては中庸だろうか。ぼくが最初にこの<イタリア>に接したクルト・マズア&ライプツィッヒゲヴァントハウス管による演奏よりずっと軽快な開始だ。各パートの響きはセル盤ほど明晰に分離しないが、それでもカラヤン&BPOよりはずっとクリア。弦楽群の対向配置により、第2ヴァイオリンが右から、チェロ・コンバスがやや左側の手間から奥に定位する。特に第2ヴァイオリンの動きがよく分かり、こんな掛け合いをやっていたのかと、随所で気付かされる。ぼくがこの曲の中で好きな第3楽章でも、やや抑え気味の弦楽群の表情付け、木管群やホルンの秀逸な響きなど、簡素ながら優美で美しいこの楽章を堪能できる。

クリーヴランドの鍛え上げられた鉄壁のアンサンブルは素晴らしいが、ロンドンの腕利きプレイヤーを集めて結成されたフィルハーモニア管のアンサンブルも、もちろん負けてはいない。60年当時としては十分高レベルの録音と相まって、各パートの分離とマスの響きがほどよく調和し、全体的な音響バランスとしてはセル盤に勝るように感じる。 この曲の身上ともいえるフレッシュな溌剌さというイメージという側面ではセル&クリーヴランド盤に譲るが、このクレンペラー盤は、交響曲としての構成感という意味においてドイツの伝統を強く感じさせる重みと深さを備え、ややモノトーンな響きながら、ニュアンスに富んだ素晴らしい音楽的感興を与えてくれる。

この盤の音源。全楽章。



この秋からN響首席指揮者となる予定のパーヴォ・ヤルヴィ指揮hr交響楽団(旧フランクフルト放響)による2012年の演奏。
第2楽章の11分50秒過ぎから、通常はヴァイオリン群の対旋律として扱われる木管群(フルート)を強調して効果を上げている。



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セルのメンデルスゾーン



梅雨入りから三週間。六月も下旬になった。週明け月曜日。八時過ぎに帰宅。ひと息ついて、ギターを弾こうか、音盤タイムか少々悩んで、音盤を選択。ここしばらく御執心のセルの盤を取り出した。


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ジョージ・セル指揮クリーヴランド管弦楽団によるメンデルスゾーン作品を集めた1枚。現在発売中のソニークラシカル:名盤コレクション1000の中の1枚。収録曲は以下の通り。録音時期は、<フィンガルの洞窟>1957年、<真夏の夜の夢>1967年、<イタリア>1962年。

 序曲<フィンガルの洞窟> 作品26
 <真夏の夜の夢>の音楽:序曲・スケルツォ・夜想曲・間奏曲・結婚行進曲
 交響曲第4番イ長調作品90<イタリア>

こうして並べると、<真夏の夜の夢>と<イタリア>の間に休憩を入れて、そのまま一夜のコンサートプログラムにもなりそうな選曲だ。38歳で没したメンデルゾーンではあるが、いずれも比較的若い時期の作品。<真夏の夜の夢>に至っては、シェイクスピアの作品に触発され、序曲を17歳のときに書いている。確かに<真夏の夜の夢>は若き青年の作品と素直に理解もできるが、<フィンガルの洞窟>は、その渋く深い曲想が20歳にときの作品とはにわかに信じがたい。それはともかく、いずれの曲も初期ロマン派の薫り高き名曲だ。

セルとクリーヴランド管についてよく言われる特質は<真夏の夜の夢>と<イタリア>に顕著。特に<イタリア>は颯爽としたテンポで、音楽いっさい停滞せず、引き締まった響きとビシッと揃ったアンサンブルで辛口に進行する。第1楽章は提示部を繰り返しながら9分50秒と、おそらく数あるこの曲の盤のうち最速ではないだろうか。相変わらず各パートは明瞭に分離し、対旋律が浮かび上がる。そして弦楽器群のデタッシュ、木管群のタンギングの頭まで、きっちりと整った演奏が展開する。こういう演奏と聴いたあと、同じ<イタリア>をカラヤン&BPOで聴くと、まったく別世界の表現であることが分かる。カラヤン盤は各パートの分離より全体のマスの響きが重視され、細かな音形やアインザッツは意図的にぼかされる。フレーズは切れ目なくつながり、管楽器群の音のエッジも丸みを帯びる。セル&クリーヴランドとは方向性がまったく異なることを再認識する。

一方<フィンガルの洞窟>ではこうしたセルの解釈が一転。遅めにとったテンポで深々とした表現を聴かせる。<スコットランド>の名盤:ペーター・マーク&ロンドン響盤にカップリングされている同曲のゆったりとしたロマンティックに寄った演奏が10分02秒なの対し、この盤でのセルは10分55秒をかけていて驚いた。やはり<フィンガルの洞窟>が持つ幻想的な曲想に見合ったテンポと解釈なのだと合点した次第だ。


<真夏の夜の夢>からスケルツォ。セルがアムステルダムコンセルヘボウと残した一連の録音の中のもの。



<イタリア> セル&クリーヴランドのモノラル時代の録音



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新日本フィル定期#543<ストラヴィンスキー三部作>



一昨日の週末金曜日。都内での仕事が夕方までに片付き、週末だしなぁ~と、その足でコンサートへ。その日折りよく、新日本フィルの定期があることを事前に確認していたのだ。5時過ぎに仕事先を出て、地下鉄を乗り継ぎJR錦糸町駅へ。雨もあがり、暑さも癒えて静かな梅雨の夕べ。時間もあるので隣接のターミナルビルで腹ごしらえをし、会場のすみだトリフォニーへ向かった。すみだトリフォニーは先月の室内楽演奏会からおよそひと月ぶりだ。


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プログラムは以下の通り。
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 ストラヴィンスキー/バレエ組曲『火の鳥』(1919年版)
 ストラヴィンスキー/バレエ音楽『ペトルーシュカ』(1947年版)
 ストラヴィンスキー/バレエ音楽『春の祭典』
---------------------------
指揮:秋山和慶 ピアノ:三輪郁 管弦楽:新日本フィル
===========================

ストラヴィンスキーの三部作を一夜に聴けるだけで、当夜の演奏会の価値は絶大だ。しかし同時に、指揮者やオケ団員にとって、そしてぼくら聴衆にも、魅力的ではあるが相当ハードなプログラムでもある。定刻の7時15分を少し回って団員がステージへ。チューニングの音と共に客電が落ち、指揮者秋山氏登場となった。

コントラバスの弱奏で<火の鳥>が始まる。オーディオセットで聴くときは冒頭のこのフレーズがどれほどリアルに聴こえるかで低音再生とSN比の確認ができるくだりだ。実演ではもちろんそんなことは気にする必要はない。音響良好なすみだトリフォニーの隅々まで、最低音が弱くしかし不気味に響き渡る。前半は各セクションの美しいソロを交え神秘的に進み、打楽器群の一撃と共に主役の火の鳥登場で一気に佳境へ。新日本フィルの高い合奏能力とダイナミズムで胸のすくような展開が続く。続く<ペトルーシュカ>ではピアノがステージ中央に移される。憧憬と素朴さ、バーバリズムが交錯しつつ、ピアノ付き幻想曲とでもいうべき展開もあって、終始飽きさせない曲だ。<火の鳥>以上に打楽器群が活躍。よくをいえば中間部に立て続けに現われるトランペットソロはもう一段切れが欲しかった。そういえば40年前、ニューヨークフィルの来日公演でこの曲を聴いた。そのときはバーンスタインとブーレーズが交代で振ったが、ぼくが聴いたときはブーレーズ。マイスタージンガー、ペトルーシュカ、そしてメンデルスゾーンのイタリアというプロだったのを思い出す。

休憩をはさんで<春の祭典>。この日の眼目はもちろん三部作を一度に楽しめるというところにあっただろうが、ぼくにとってはもう一つ、秋山和慶氏の指揮にあった。30年以上前から度々テレビでも目にし、そのタクトさばきは素人目にも素晴らしく鮮やかで美しく見えたものだ。75歳になった今も往時と変わりなく、当夜も複雑なストラヴィンスキーの管弦楽を鮮やかに振る姿に感銘を受けた。<春の祭典>の交錯するリズムの中で複雑なスコアの各パートに適確にアインザッツを送り、同時にマスの響きのバランスにも配慮する様がよく分かる。その結果、とかく迫力とノリだけが先行しそうなこの曲でも、まったく混濁感のない見通しのいい、整然とした演奏になっていた。もちろん、打楽器群の活躍、ベルアップしたホルン群の咆哮など、大編成の迫力にも不足なく、存分にストラヴィンスキーを堪能することができた。

当夜の演奏だけでも指揮者、団員には相当はハードワークだったと思うが、翌日20日はサントリーホールで、翌々日21日には多摩パルテノンでと、三日連続でこのプログラムを演奏する予定と知って驚いた。好演間違いなしを予感させる初日当夜の演奏だった。


この演奏会を前にした秋山氏へのインタヴュー。



<春の祭典>終曲。この曲の知名度を一層広めることになったモーリス・ベジャールによる振り付け。



昨今は地方のアマチュアオケもストラヴィンスキーを演奏する時代になった。富山シティーフィルという社会人オケによる<火の鳥>



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新生<テクニクス>のコンポ



昨年秋、復活を果たしたパナソニックのオーディオブランド<Technics>。先日、新生テクニクスのオーディオセットを少しじっくりと聴く機会があった。


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テクニクスブランド復活に際して、まずかなりハイエンドのリファレンスシステムR1シリーズがこの春にリリースされた。ただR1シリーズはセットで揃えると国産高級車並の価格となり、実際のセールスよりは復活の象徴的モデルとでもいうべきものだった。そして少し前に、普及価格(といっても相応の値段だが)のプレミアムシステムC700シリーズが発売されるに至った。今回聴いたのはこのC700シリーズだ。C700シリーズは、アンプ・CDプレイヤー・ネットワークプレイヤー・スピーカから成る。全部合せてメーカー希望小売価格は60万円を切る位。実際には50万円程度の市場価格になるのだろうか。それぞれの詳細はHPを見ていただければ分かるが、おおむねオーソドクスな仕様。それより何より最初に目がいったのはそのデザインだ。


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取り分けアンプ。最初、パワーアンプの上にプリアンプが載っているのかと思ったが、そうではなく、アナログメーターが下部、ボリュームつまみが上部という一体型だ。その明るい色調と合せて、とても斬新な印象を受ける。横幅は一般的なフルサイズコンポより小さく34センチで、実物は写真の印象よりコンパクトだ。そのデザインと相まって、都会的なリビングルームによく合うだろう。アンプの入力はデジタル系が4系統、アナログ系もMM対応のフォノ入力と、ライン入力を持つ。


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そしてスピーカも目をひく。樽型に膨らんだエンクロージャに16センチ口径の平面振動板を持つ同軸ユニットがマウントされている。平面型スピーカはかつてのテクニクスのお家芸だったことを思い出した。樽型に膨らんだ両サイドは厚さ40ミリ、重量も9キロ近くあって、ズッシリと重い。

さて肝心の音はどうだったか…
そのコスメティックデザインの印象そのものに、とてもスッキリとした清涼感のある音というのが第一印象。アンプやCDプレイヤーは現代の標準的な技術でオーソドクスに作られているようなので、音の印象の多くはスピーカによるものと思う。中高音の解像度は高いが、妙なエッジが立ったり、強調感を感じることはなかった。そして低音。これが見かけ以上に素晴らしい。仕様値では、40Hz(-16dB)、45Hz(-10dB)とあったが、この数値は確実にクリアしている印象だ。オーケストラにおけるコントラバスの深い基音がしっかりと出ているし、バスレフの共振周波数周辺の盛り上がりや付帯音も極少で、よくチューニングされていると感じた。エンクロージャの設計が周到で、不要共振や反射、定在波を押さえ込んだ結果が、このスッキリとした解像度の高さにつながっているのだろう。

ぼくは今のところ現有のセットを買い換えるつもりはないので、これ以上このモデルに目が向くことはないのだが、もしこれからオーディオセットを新調して音楽を楽しみたい、特にリビングルームに物々しくないセットを置きたいと考えるむきには、有力な選択肢の一つではないかと感じた次第だ。


製品のプロモーション



昨年秋の発表会



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アシュケナージ&ショルティの<皇帝>



どんよりとした雲におおわれた梅雨空の日曜日。格別のこともなく一日終わり、さて明日からまた仕事という夜。きのう記事に書いたショルティのワグナーで「そういえば」的に思い出し、こんな盤を取り出した。


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アシュケナージのピアノによるベートーヴェンのピアノ協奏曲第5番変ホ長調<皇帝>。ショルティ指揮シカゴ交響楽団のバック。1972年の録音。手持ちの盤は発売当時のもので、確か近所のリサイクルショップのジャンク箱から金百円にて捕獲してきた記憶がある。

ショルティとシカゴ響は1977年の来日公演で実演に接した。大学4年のときで、6000円のチケット代が一度に払えず、学生向けに設定された2回分割で支払った。ぼくら世代のクラシックファンならはっきりと記憶していると思うが、この頃、70年代半ばから80年代初頭のショルティ&シカゴ響の人気には絶大なものがあった。このコンビによる管弦楽曲の新譜は英デッカのドル箱路線と言ってよく、常にトップセールスを誇った。中でもベートーヴェンの交響曲全集と、このアシュケナージをソリストに迎えた協奏曲のレコードはその代表格だった。

久々に聴いてみて、記憶の彼方にあるショルティ&シカゴ響による演奏のイメージと少々違っていて驚いた。記憶の中のこのコンビは、ともかくデカい音で鳴り、剛直かつ活気に満ち、というものだったが、こうしてこの盤を聴いてみると、生意気な言い方だが予想以上に<まとも>な演奏で、肩透かしをくった気分になった。
ショルティ&シカゴ響の音響は冒頭からよく整ったアンサンブルと明快に打ち込まれるアクセントが印象的であるが、決して力ずくという印象は受けない。全体のバランスも考慮されているし、ヴィオラやチェロによる内声部もよく聴こえてくる。テンポもほぼインテンポを基本にしていて恣意的なゆらぎはほとんど無い。加えて英デッカ録音の細部まで見通すような明瞭な録音ポリシーがこうした響きをよくとらえている。当時はまだピアニストとして全盛期にあったアシュケナージの音色も美しく、丁寧な弾きぶりだ。

そういえばその昔、FMから流れてくるブラームスの第3交響曲に、中々渋い演奏だが誰の指揮だろうと思いながら聴いていると、ショルティ&シカゴ響とのアナウンスがあって、我が耳を疑ったことがあった。評論家や雑誌からのインプットも重要な情報ではあるが、あまりそうした情報を前提とせずに、虚心に出てくる音楽に耳を傾けるべきだと学んだ。ショルティの名は当時の名声に比べ、昨今影が薄い感があるが、やはり一時代を画しただけのことはあると、納得の一枚である。


この盤の音源。全楽章。



ショルティの弾き振り。バレンボイム、シフと共にモーツァルトの3台ピアノのための協奏曲。
ショルティはキャリアの最初をオペラハウスのコレペティトール(歌手のための練習ピアニスト)としてスタートさせていることもあって、ピアノはお手の物だ。



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ショルティの<ラインの黄金>



梅雨入りした週末の土曜日。野暮用で終日あたふたと消耗。夜半前になってようやくひと息ついた。このところ夜の音盤タイムはもっぱらヘッドフォンにお世話になっているが、今夜は久々にスピーカーを思い切り鳴らそうかと思い、こんな盤を取り出した。


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ゲオルク・ショルティとウィーンフィルによるワグナーの楽劇<ニーベルンクの指輪>から序夜を成す<ラインの黄金>のLPセット。社会人になってまもなくの頃、当時の関東在住レコードファンにはお馴染みだった<ハンター>で買い求めた。豪華な付録冊子には昭和41年(1966年)発売の記述がある。おそらく国内初出盤だと思うが定かではない。この盤に続き、順次全曲を集めるつもりでいたはずだが、その後人並みに仕事に没頭、いつしか「そのうちに…」となってしまった。

この盤について今更説明をする必要もないだろう。ステレオ時代になって、英デッカが名プロデューサー:ジョン・カルショウのもと、総力を挙げて製作した大作にして傑作で、ワグナー録音の金字塔とも言われた名盤だ。当初はクナッパーツブッシュとウィーンフィルのコンビで全曲録音が計画されたが、<ワルキューレ第一幕>を録音したあとクナが亡くなり、当時50代にさしかかっていた気鋭のショルティに引き継がれ、1958から1965年にかけて録音された。

ぼくなどはワグナーについて語る何物も持ち合わせていないが、そんな盆暗リスナーにも、この盤の素晴らしさは十分わかる。まず当時としては録音が素晴らしくいい。手持ちの盤は少々コンディションが悪く、スクラッチノイズが多いのだが、音の広がり、鮮明度など、三十余年前に手に入れてショボいセットで聴いたときも、今こうして現代の機械で聴いてみても、他の優秀録音に勝るとも劣らない。今夜はLP3枚6面からなる<ラインの黄金>のうち冒頭の1面、前奏から<ラインの河底>あたりと、第6面、終盤のクライマックス<ワルハラ城への入城>あたりを聴いたのだが、帯域そのものは今のレベルからすると少々狭く感じるものの、地の底から不気味に迫るようなコントラバスのピアニシモ、ウィーンフィルの打楽器奏者が実物の鉄床18台を打つニーベルハイムの場面や、雷鳴を轟かす大型の金属板による一撃、ワグナーチューバの彷徨等々、ワグナーサウンドの醍醐味が存分に味わえる。

付録冊子の写真から。
指輪リスニングに必須のライトモチーフ集。 雷鳴SEのための巨大金属板。
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ドンナーが振り下ろすハンマー音の一撃。 鉄床18台と金塊の代わりに使われた鉛の塊。
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現代的視点でみると解釈・録音ポリシー共に違ったアプローチがもちろんあるだろうが、今から半世紀前に、豪華キャストを集め、周到な練習とリハーサルに時間を費やし、純アナログ技術を駆使し、今でも通用する高いレベルの演奏と録音を残したことに、理屈抜きに感服する。折からこの6月に発売された最新リマスタリングのCDセットが飲み代一回分で手に入るという。指輪の全曲盤は二種類手元にあるので、これ以上はとも思うのだが、完成度の高さから、このショルティ盤には今更ながら惹かれる。


このコンビによる録音風景。<ジークフリートの葬送行進曲>。エネルギッシュなショルティ。



同じく録音風景。裏方技術陣の様子も興味深い。SACDもハイレゾも、こうして作られた当時のマスターが頼りだ。



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プロフィール

マエストロ・与太

Author:マエストロ・与太
ピークを過ぎた中年サラリーマン。真空管アンプで聴く針音混じりの古いアナログ盤、丁寧に淹れた深煎り珈琲、そして自然の恵みの木を材料に、匠の手で作られたギターの暖かい音。以上『お疲れ様三点セット』で仕事の疲れを癒す今日この頃です。

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